Появление во Франции серебряных изделий в стиле ампир
Драматические события французской истории последних лет XVIII века, несомненно, оказали большое влияние на искусство вообще и на создание серебряных изделий в частности. На протяжении всего этого столетия монархи и их дворы играли доминирующую роль в каждом виде искусства. Внезапная потеря их покровительства наряду с экономическими и социальными бедами, охватившими страну во время революции, привели к прекращению производства серебряных изделий в стиле «прежнего режима». Их стали считать символами ненавистной аристократии, продавали и даже переплавляли. По самой грубой оценке, только за два года (1789—1790) было уничтожено 54 тонны серебряных предметов. Но когда страна вступила в период Директории (1795—1799), светское серебро начало постепенно возрождаться — у нового общества появился вкус к роскоши и удовольствиям.
Работы того времени — повторения в стиле Людовика XVI, некоторые из них являются полными копиями моделей Саламбье. Их формы удлинены, а декоративные детали представляют собой прямое повторение испытанного набора элементов неоклассицизма.
Приход к власти Наполеона Бонапарта стал началом новой эпохи. Его политика и сам он как личность оказали большое влияние на все сферы творческой деятельности. Уже в период Консульства стало ясно, что император решил вернуть Францию к тому великолепию, которое она утратила после смерти Людовика XIV. Наполеон доверил формирование нового стиля группе видных архитекторов и художников, среди них были правительственные архитекторы Шарль Персье (1764—1838) и Пьер Франсуа Фонтен (1762—1853), художники Жак-Луи Давид (1748— 1825) и Пьер Поль Прюдон (1758— 1823). Все они восхищались моделями классической античности. Правительство стало поощрять создание серебряных изделий. А новая централизованная и авторитарная форма правления в период Империи способствовала выработке стилистического единообразия художественных изделий.
Роль Наполеона и спонсоры нового искусства
В первые годы после революции искусство работы по металлу пребывало в таком плачевном состоянии, что, казалось, уже нет никакой надежды на его возрождение. Но к концу периода Империи ситуация радикально изменилась.
В предисловии к сборнику образцов серебряных изделий под названием «Экспозиция изделий французской промышленности», вышедшему в 1819 году, говорилось: «За последние двадцать лет ювелирное производство чрезвычайно увеличилось и достигло такого совершенства, которому нет соперников в других странах. Поэтому европейские короли и принцы, просто богатые люди, не колеблясь, заказывают ювелирные изделия во Франции».
Несомненно, Наполеон лично способствовал этому необычайному возрождению серебряного производства, потому что любую форму художественного творчества считал эффективным средством пропаганды, которая при умелом руководстве способна поднять престиж и величие нового режима и человека, стоящего во главе его. Преследуя двоякую цель — возродить промышленность и торговлю и создать вокруг себя великолепие, подобное тому, что было при королевских дворах, Наполеон, будучи сначала консулом, а потом императором, делал многочисленные заказы у ремесленников и на фабриках.
Поскольку серебро и особенно вермель (позолоченное серебро) всегда было символом богатства и высокого статуса, его активно стали использовать в украшении императорских дворцов. На элегантных столах стояли серебряные вазы, супницы, чаши и канделябры внушительных размеров. Императрица Жозефина, которая любила роскошь, заказывала для себя серебряные изделия, среди которых было много туалетных принадлежностей и изумительный чайно-кофейный сервиз, сделанный знаменитыми мастерами Огюстом и Одно. Новая французская аристократия, подражая Наполеону и его семье, бросилась заказывать серебряные вещи у самых известных парижских мастеров.
В стране рос средний класс и продолжался процесс демократизации клиентуры. В связи с увеличением объема промышленного производства цены на серебряные предметы снижались, становились доступнее для представителей среднего класса, которые теперь все чаще делали заказы ремесленникам Парижа, обрабатывавшим около 40 тонн сырого металла в год.
Почти три четверти этой продукции Франции вывозилось за рубеж, она украшала дворцы многих царственных особ. Особенно много французского серебра шло в Россию, Баварию и Австрию.
Декоративные мотивы ампира
Декоративные мотивы ампира, литые и рельефные, реже — гравированные, можно подразделить на две категории: фигурки людей или животных и орнаменты с растительными элементами.
Первыми украшали парадные предметы, образцами для них служили аллегорические или мифологические персонажи классической античности. Для них характерны величественность, гармония и изящность поз. Что касается растительных мотивов, то обычно это были пальметты, лавровые венки, стилизованные гирлянды и листья аканта. Стилизация — более выраженная, чем в предыдущий период, рисунок — строже, линии — прямее и четче.
Упразднение гильдий и качество серебра
В период ампира производство и продажа французского серебра регламентировались законами, принятыми в революционное время и при Директории. В соответствии с законами 1791 и 1797 годов были упразднены гильдии и радикально изменена устаревшая к тому времени система клейм. Это открыло новую страницу в истории производства серебра во Франции.
Профессию серебряных дел мастера мог выбрать кто угодно — не было на то никаких ограничений, ремеслу этому не нужно было специально обучаться, а чтобы предъявить изделие на оценку, уже не требовалось одобрение гильдии. Новая ситуация, конечно, способствовала злоупотреблениям, но большая конкуренция и высокое качество, которого требовали клиенты, со временем привели к тому, что плохо подготовленные ремесленники и откровенные халтурщики ушли со сцены. Несмотря на то, что уже не было контроля со стороны гильдий, серебро, произведенное в период Империи, очень редко было посредственного качества, а в некоторых случаях серебряные изделия оказывались значительно лучше, чем аналогичные изделия конца XVIII века. Использовавшийся металл был толстым и прочным — прочнее и массивнее, чем ламинированное или отбитое молотком серебро. Благодаря этому мастера добивались таких форм и украшений, которых требовал стиль ампир (но некоторые знатоки считают это недостатком стиля). Исчезновение гильдий способствовало притоку новых людей с новыми идеями в сферу производства серебра. Появились новые методы, оригинальные формы и типы изделий. Такие эксперименты были недопустимы при строгом контроле гильдий, приверженных к технике старого режима. Яркие представители новой формации — мастер по бронзе Пьер-Филипп Томир и краснодеревщик Мартен-Гийом Бьенне, ставшие впоследствии известными серебряниками.
Чашки для рожениц
Самые первые их экземпляры появились в середине XVIII века. Те, что делали в средиземноморских странах, имели форму маленьких супниц — в виде чашечки на основании, с крышкой и двумя ручками. В них наливали горячий бульон, который подавали только что родившей женщине, нуждавшейся в подкреплении сил. Эти чашки, очень популярные на рубеже XVIII — XIX веков, входили в набор, состоявший из тарелки, ложки и вилки, и помещались в изящный футляр. Такие предметы пользовались большим спросом в Италии, особенно в Милане. Обычно после рождения первенца-мальчика глава семьи дарил жене такой набор, который становился символом продолжения рода.
Ренделл, Бридж и Ренделл
Филипп Ренделл родился в 1743 году в Уиткоме близ Бритоля. Переехав в Лондон, он поступил на работу в мастерскую Вильяма Пикетта, в 1977 году стал его партнером, а позже — и владельцем мастерской (1785). Его описывают как чрезвычайно эксцентричного человека с плохим характером, но очень одаренного и искусного во многих видах техники. В 1788 году он взял в партнеры Джона Бриджа, а в 1803 году еще и своего двоюродного брата Эдмонда Ренделла. Их фирма до 1839 года была поставщиком королевского двора. Изделия мастерской пользовались большой популярностью у английской аристократии и буржуазии. Спрос был такой, что для выполнения всех заказов им потребовалось более тысячи рабочих. Фирма сотрудничала с самыми известными художниками и серебряных дел мастерами. Часто использовались эскизы скульпторов Джона Флаксмана и Вильяма Тида и художника Томаса Стотхарда. В 1807 году художественным директором фирмы стал Поль Сторр, который находился на этом посту до 1819 года. Для компании работали и другие знаменитые мастера, например, Дигби Скотт и Бенджамин Смит.
Новые неоклассические формы
Стиль ампир отличали две особенности: это был последний стиль аристократии и первый стиль среднего класса, призванный удовлетворять запросы и появившегося среднего класса, и своих богатых покровителей, которые от каждого мастера требовали, чтобы все, что он делал, отражало бы их величие, знатность и богатство. А какие же формы лучше, чем неоклассические, отвечают этим требованиям? В особенности парадные изделия, которые создавали как модели, заимствованные из греческого, этрусского и римского искусства, наделяя их при этом разнообразными функциями. Типы серебряных изделий, появившихся в этот период, повторяют те, что уже были известны в конце предыдущего века. Новыми были самовар и круглая сахарница с крышкой, окруженная подставками для двенадцати кофейных чашечек. Главное отличие — в декоративных элементах. Ремесленники реже разрабатывали собственные эскизы, чаще всего брали их из собраний декораторов, например, из собраний правительственных архитекторов Персье и Фонтена. В их эскизах заметно архитектурное влияние на структуру и гармонию композиции, на ее геометрию и симметрию. Большие предметы, такие, как вазы для фруктов и супницы, часто ставятся на монументальные основания и окружаются скульптурными компонентами.
Эти строгие элегантные формы были популярны в период Консульства и первые годы Империи, но со временем они становились все тяжелее и тяжелее, словно своей основательностью старались поддержать слабевшую власть режима.
Декоративный репертуар стиля ампир
Серебряные изделия стиля ампир узнаваемы главным образом благодаря декоративным элементам. Темы, популярные у французских серебряных дел мастеров, делятся на две группы: фигуры людей и животных и растительные мотивы. Темы первой группы, то есть животные, люди, классические сцены и аллегорические фигуры, находили воплощение главным образом на предметах, сделанных для царствующих фамилий и аристократии. На гладкую поверхность таких изделий помещали рельефные элементы, изображавшие аллегорические сцены, которые прославляли государство, справедливость, изобилие или покорение народов Европы. Нередко это были мифологические фигуры античности, например, сфинксы, крылатые лошади и львы, полурыба-полуконь, орлы, лебеди, свернувшиеся змеи (в ручках). Для всех таких мотивов характерны статические и элегантные позы. Растительные элементы первоначально использовались как рамки для этих фигур или как украшения простых изделий. Со временем растительные мотивы стали все чаще появляться в украшениях, но при этом уменьшалась натуралистичность и возрастала стилизация. Линии становились строже, преобладали симметрия, безупречные пропорции. Пальметты — одна из обычных тем, но они появились вместе со множеством других мотивов: лавровыми венками, гирляндами из стилизованных листьев, рогами изобилия, розеттами, листьями аканта и пирамидальными соцветиями.
Клейма французских серебряных дел мастеров. В тот период клеймо представляло собой ромб с инициалами мастера и каким-нибудь символом. Этот тип клейма использовался еще в годы революции, когда ромб мастера всегда ставили вертикально. С 1797 года его ставили как вертикально, так и горизонтально.
Возврат к Египту
Один из декоративных элементов стиля ампир во Франции называют «возвратом к Египту». С поражением французского флота в августе 1798 года при Абукире и блистательной победой адмирала Нельсона в так называемой «битве на Ниле» завершилась злосчастная египетская кампания и Наполеон вернулся в Париж, привезя с собой много археологических находок, которые вызвали интерес у художников, ремесленников и ученых. Сам Наполеон, восхищенный художественным богатством страны пирамид, послал туда экспедицию для изучения и каталогизации сокровищ. Результаты этой экспедиции были изложены в работе Вивана Денона «Путешествия по Верхнему и Нижнему Египту», опубликованной в Париже в 1802 году и переведенной на английский язык в 1803 году, что способствовало пробуждению интереса к орнаментам древних египтян. Многие художники использовали эти мотивы, которые были весьма популярны у покупателей. Египетские мотивы включают стилизованные цветы лотоса, сфинксов, четвертные валики, пальметты и символические фигуры, взятые из египетской скульптуры, например, изображение бога солнца Гора в виде круглого диска с двумя крыльями.
Французские серебряных дел мастера
Новый стиль ампир стал очень популярным во многих странах, благодаря великолепному искусству французских мастеров, среди которых особенно выделяются трое: Огюст, Одно и Вьенне. Анри Огюст (1759—1816), сын серебряных дел мастера, в своих работах сочетал элегантность формы с легкой, утонченной манерой декорирования. Когда он разорился и был вынужден эмигрировать, его модели перешли к Жану-Баттисту Клоду Одно (1763—1850), представителю династии серебряных дел мастеров. Его работы были выполнены под влиянием знаменитых художников Персье, Фонтена, Прюдона и Кавелье. Слава Одно вышла далеко за пределы Франции, обеспечив ему многочисленную клиентуру во всех странах.
Мартен-Гийом Бьенне (1763— 1843), официальный мастер Наполеона, — пожалуй, самый яркий выразитель стиля ампир. Он прославился разнообразием типов изделий, а также удивительной гармонией формы и декоративных элементов.
Кроме них в Париже работали свыше трехсот мастеров менее известных, но не менее искусных и талантливых. Большинство из них обучались в мастерских Бьенне и Одно, например, Жан-Шарль Кайе, Мари-Жозеф-Габриэль Женю, Абель-Этьен Жиру, Лорийон, Ноден, Фоконье и Паро. В Париже появилось много студий, некоторые из них были весьма солидные. Из-за этого провинциальные мастера теряли заказы и были вынуждены торговать изделиями парижских мастерских или работать на парижских мастеров. Но даже при таких обстоятельствах кое-где оставались серебряники, которые творили на самом высоком уровне. Например, Страсбург был знаменит работами в позолоченном серебре, благодаря искусству Кирстена и Эмлена.
Отливка и чеканка
В наполеоновский период во Франции появилась новая техника в производстве серебра. Она заключается в отливке и затем в чеканке каждого из элементов предмета в отдельности, например, кнопки на крышке (которая тоже может состоять из нескольких секций), ручки, ножки и даже таких декоративных элементов, как фризы, барельефы и медальоны. Затем эти отдельные элементы монтируются вместе припаиванием (традиционный метод) или искусно скрываемыми винтами и гайками («холодная сборка»). Техника использовалась еще в конце правления Людовика XIV, но широко распространилась именно в период ампира, когда уже достигла высокого уровня точности. Анри Огюст (1759—1816) первым применил эту технику. За ним — Жан-Баттист Клод Одно (1763—1850), который сотрудничал с Томиром, мастером по бронзе, искусным в этом виде техники. Они вместе изготовили туалетный сервиз для императрицы Марии-Луизы. Такая техника знаменовала начало промышленного производства серебряных изделий, поскольку позволяла повторять одинаковые элементы на разных изделиях, облегчая процесс массового производства. Некоторые искусствоведы считают, что это же положило конец созданию уникальных изделий в традиционном смысле.
Влияние французского ампира на искусство других стран
Распространение французских вкусов по всей Европе — это в большой степени результат экспансионистских целей, которые ставил перед собой Наполеон. В странах, связанных с Французской империей, французский диктат касался не только социального, политического или экономического аспектов жизни, но и культуры, потому что Наполеон считал искусство средством пропаганды своего величия. В сфере производства серебряных изделий этот контроль распространялся и на модели, и на сам процесс производства, и на продажу серебра. Были созданы новые департаменты, введены пробирные клейма (с гарантией чистоты серебра) в соответствии с законом от 18 брюмера, VI года (то есть 9 ноября 1797 года). Таким образом, распространению ампира в Европе способствовала политика Наполеона. Но главную роль в этом, конечно, играли ведущие парижские мастера, которые создавали свои шедевры по заказам царственных особ и аристократов Европы. Многие из таких предметов сохранились и находятся в музеях.
В обслуживании царственных особ лидером был Одио. Он поставлял свои изделия европейским правителям в течение многих лет. Одним из самых выдающихся среди них был столовый сервиз, предназначенный для императрицы Марии Федоровны (некоторые ученые считают, что его заказал для своей матери Михаил Павлович в 1809 году). Часть этого сервиза сейчас хранится в Эрмитаже, другая часть — в датском Рийксмузее, третья — в фонде Эспирито Санто в Лиссабоне. Не менее интересен туалетный набор, который для Марии-Луизы Австрийской Одио в сотрудничестве с мастером-бронзовщиком Томиром сделал по эскизам Прюдона. Оригинал уничтожила сама императрица, но по сохранившимся рисункам видно, какое это было великолепное изделие.
Величественность самих предметов, а также распространение эскизов знаменитых художников оказали огромное влияние на европейское искусство серебряных дел, но мастерам других стран не удавалось добиться такой чистоты стиля, которая была присуща изделиям французских мастеров: многие
из сохранившихся их творений — это скорее подражание, и то не всегда умелое.
Египетский стиль в Великобритании
Англичане с энтузиазмом встретили победу адмирала Нельсона над французами при Абукире и это вызвало в обществе большой интерес к так называемому египетскому стилю. К сожалению, сохранилось лишь небольшое количество работ в этом стиле. Они декорированы сфинксами, пальметтами, стилизованными цветами лотоса и фигурами из египетской мифологии.
Англия в начале XIX века
Англия больше, чем другие страны, сопротивлялась диктату Наполеона. Находясь в постоянном конфликте с французской империей и испытывая серьезные политические и экономические трудности, лишившись торгового преимущества на континенте, Англия, тем не менее, сохраняла свою независимость даже в области искусства. Конечно, она не была в стороне от общего европейского художественного направления: англичане ценили модели Огюста и многие из них копировали, кроме того, некоторые бежавшие из Франции мастера трудились в Лондоне. Даже Одно работал там какое-то время. Однако из-за враждебного отношения к Франции и к тому стилю, который восхвалял Наполеон, английские мастера упрямо работали в своей манере, даже если это не укладывалось в их собственный строгий стиль.
Имея в виду прежде всего стиль, этот период назвали Регентством, хотя термин неточен и неадекватен. С исторической точки зрения, Регентство относится к последним девяти годам правления Георга III (1811—1820), когда из-за психического заболевания короля власть перешла в руки принца Уэльского (будущего короля Георга IV). В истории декоративного искусства Регентством называется период с конца XVIII века по 1830 год (год смерти Георга IV). Он представляет собой переход от строгого, почти академического неоклассицизма, который возглавлял в Англии Адам, к эклектизму викторианского периода, первые признаки коего уже начали появляться.
Английское серебро в период между неоклассицизмом и эклектизмом
Стиль Регентства стал разрушать строгий неоклассицизм в духе Адама и вырабатывать синтез форм и декорирования — от египетских орнаментов до форм и орнаментов, типичных для рококо. Многие серебряные изделия того времени носят следы влияния произведений скульпторов Джона флаксмана и Вильяма Тиида и художника Томаса Стотгарда, которые стремились придать своим работам величественность и основательность, не пытаясь оправдать их декорирование эстетико-теоретическими соображениями.
Для этого периода характерно обращение к античности. Снова в моду вошли рельефные фигуры из античной мифологии, сфинксы, кариатиды, аллегорические сцены, а в некоторых случаях мастера даже делали точные копии римских находок, в частности, римских статуэток из терракоты. В то же время некоторые декоративные экзотические элементы были заимствованы у готики, а больше всего — у рококо. Взяли мотивы, стряхнули с них пыль времен и несколько обновили, правда, украшения стали немного тяжелее. Вернулись закрученные листья, раковины, цветы и маски, часто — в сочетании с различными элементами неоклассического стиля.
Семейство Одио
Традиционно искусство работать по серебру передавалось от отца к сыну, именно к таким династиям относится семья Одио. Основателем семейного бизнеса был Жан-Батист Гаспар (стал мастером в 1720 году, умер в 1777-м), но только Жан-Батист Клод (родился в 1763 году, стал мастером в 1785-м, умер в 1850 году) добился наивысших достижений в неоклассическом стиле и стиле ампир. Благодаря покровительству Наполеона семья Одио смогла создать великолепные серебряные изделия. Семейное дело продолжил Шарль Николя, который и учился у отца, и работал с ним. Он достойно продолжал лучшие профессиональные традиции семьи в художественных моделях. Следующим, кто подхватил эту творческую эстафету династии Одио, был Жан-Батист Гюстав (1823—1912). Их главный принцип — создавать великолепные изделия — всегда оставался нерушимым, для них всегда было характерно во всем добиваться технического совершенства. На изделиях династии Одио прежде всего следует внимательно рассматривать клейма, так как их делала одна фирма, поэтому порой трудно определить мастера.
Серебряных дел мастера
Экономические трудности, которые испытывала Англия в начале XIX века, не очень сильно сказались на масштабах производства серебряных изделий. Число ремесленников, работавших в этой области, все еще было значительным, хотя уже начиналась эра промышленного производства. Впрочем, эта новая продукция была невысокого качества.
Но самый важный момент в этой сфере того периода — появление нового лица: торговца серебряными изделиями. Раньше мастера сами имели дело с заказчиками, но с расширением производства и ростом рынка сбыта потребовалось уже связующее звено между изготовителем и потребителем.
Одной из первых объединила мастерскую и торговую фирму знаменитая фирма «Ренделл, Бридж и Ренделл», которая выполняла эксклюзивные ювелирные заказы королевского двора. Монарх тратил на них большие суммы. В фирме трудилось более тысячи человек, сотрудничали с ней знаменитые скульпторы Флаксман и Тиид, художник Стотгард.
На лондонскую фирму работали самые лучшие мастера Англии того времени — Дигби Скотт, Бенджамин Смит и больше всех — Поль Сторр. Этот самый известный серебряных дел мастер особенно прославился такими монументальными изделиями, как большие столовые сервизы и центральные столовые вазы. В своем творчестве Сторр часто опирался на рисунки Флаксмана, поэтому вначале его изделия носили чисто неоклассические черты, но постепенно мастер стал вырабатывать собственный стиль в духе неорококо.
Мартен-Гийом Бьенне
Мартен-Гийом Бьенне (1764— 1843) считается одним из самых ярких представителей стиля ампир в области серебряного производства. В 1789 году он открыл мастерскую, работал как мастер-краснодеревщик. На его витрине была изображена фиолетовая обезьяна (это отражено и на его клейме). После революционных законов 1791 и 1797 годов, когда упразднили гильдии, он занялся изготовлением серебряных изделий. Ведь уже не надо было проходить такую ступень, как ученичество, и представлять свои изделия на одобрение гильдии. Бьенне стал любимым мастером Наполеона (говорят, из-за того, что предоставил Наполеону кредит для египетской кампании). Среди работ, заказанных ему Наполеоном, был чайный сервиз из севрского фарфора с серебром, который сегодня хранится в Лувре. На промышленной выставке 1806 года он получил золотую медаль. Слава Бьенне росла, он получал заказы от царствующих особ Европы, особенно часто — Австрии, Баварии и России. Кроме того, у него стало больше клиентов из среднего класса, поэтому пришлось нанять свыше 600 работников. С ним сотрудничали такие мастера, как Кайе, Женю, Жиру, Лорийон и Ноден. Он часто обращался к моделям, созданным художником Персье. Работы Бьенне отличает великолепная гармония формы и украшения.
Подарочные серебряные изделия
В тот период были распространены все те же типы серебряных предметов, что и в конце XVIII века. Их традиционные формы лишь приспосабливались к новым стилистическим требованиям. Однако стали появляться и такие изделия, которые изначально предназначались для подарков, — «подарочное серебро». Серебро всегда считалось подходящим подарком, который преподносили во время торжественных церемоний, юбилеев и праздников — главным образом из-за его высокой стоимости. В период же Регентства стали специально изготовлять подарочное серебро для конкретного случая или определенной церемонии, при этом не лишая предметы их практических функций. Праздничный характер таких изделий зачастую подчеркивается их благородным монументальным видом, тому пример — знаменитые трафальгарские кубки, которые были сделаны в 1805—1806 годах Скоттом и Смитом по рисунку Флаксмана. Патриотический фонд Ллойда награждал ими офицеров, участвовавших в знаменитой битве при Трафальгаре.
Поль Сторр
Поль Сторр (1771—1844), несомненно, — самый известный серебряных дел мастер периода Регентства В 1785 году он стал учеником Эндрю Фогельбурга. В 1792 году основал мастерскую, взяв в партнеры Вильяма Фрисби, в 1793 году зарегистрировал в Лондоне свое пробирное клеймо и открыл мастерскую на Пикадилли. В 1807 году он переехал на Динстрит и с того времени вплоть до 1819 года работал с престижной фирмой «Ренделл, Бридж и Ренделл». В 1822 году Сторр стал партнером фирмы «Джон Мортимер» и трудился теперь уже в «Сторр и Мортимер» до ухода на пенсию в 1838 году.
Коллекционерам особенно нравятся его неоклассические работы, сделанные по заказу принца Уэльского и его двора. Изделия Сторра, которые иногда путают с работами его учеников Бенджамина Смита и Дигби Скотта, отличаются внушительными размерами и часто позолочены. Все они — превосходного качества, однако знатоки предпочитают те, которые мастер сделал в 1800—1825 годах, когда сотрудничал с Ренделлами. Его работы отличают элегантные пропорции и типичные декоративные элементы — головы львов, ножки из листьев и т.д.
Столовые приборы начала XIX века
В начале XIX века формы и типы столовых приборов не претерпели никаких изменений. Вилка, нож и ложка еще на протяжении XVIII столетия приобрели четкие и почти окончательные очертания. Однако следует сказать о некоторых деталях. В тот период предпочтение отдавали приборам больших размеров. В некоторых случаях, в частности во Франции, ручки или даже все изделие делали золочеными, чтобы им, классически строгим в убранстве, придать величественный и богатый вид. Еще одна примета того времени — стало развиваться промышленное производство стальных лезвий.
В дополнение к уже бытовавшим предметам столовых сервизов стали появляться новые, а к ним требовались другие приборы — для закусок, десертов, салатов. Обычные формы, созданные еще в XVIII веке, становились разнообразнее. Наиболее популярной была так называемая «королевская модель» ручки (сначала она появилась в Великобритании, потом и во всей Европе). Эта ручка имела форму скрипки, украшенной раковинками по краям по всей длине. У ножа было такое же, как прежде, прямое лезвие с округленным или заостренным концом. Появилось несколько вариантов классического дизайна (главным образом во Франции), например, с прямоугольным сечением, с прямыми сторонами, сужающимися в том месте, где лезвие крепилось к ручке.
В период ампира декоративные мотивы на ножах, вилках и ложках размещали по всей длине ручек, а не только на их концах, как раньше.
Мотивы могли быть из разных стилей, в том числе из античности: пальметты, лиры, гирлянды цветов, листья аканта, раковины и аллегорические фигуры в простом линейном обрамлении.
Туалетные коробочки
Это маленькие коробочки с крышкой, в которые помещали губку, пропитанную ароматическим уксусом. Во избежание коррозии внутренние стенки делали позолоченными. Содержимое коробочки использовали для устранения неприятного запаха и для того, чтобы привести в чувство сомлевших дам. Широкое распространение коробочки получили в 1800—1840 годах, единичные же их экземпляры встречались и в последние двадцать лет XVIII века, изредка изготовляли из них было прямоугольной формы, другие — в виде кошельков, бочонков, раковин, орехов, книжек, ульев и т.д. Иногда туалетные коробочки украшали полудрагоценными камнями или гравировали на них ландшафты и архитектурные ансамбли. Решетка, на которую помещали губку, была обычно простой ажурной пластинкой, а иногда представляла собой сложную филигранную деталь.
(Продолжение следует.)
Журнал «Антиквариат, предметы искусства и коллекционирования», № 33 (декабрь 2005), стр.92