Серебряное дело. XVIII век

От рококо к неоклассицизму

Чрезмерное распространение рококо, а скорее его дегенерация неизбежно привели к его критике, которая раздавалась все чаще и чаще, Художники теперь стали стремиться к симметрии, моделям из классической античности, прямым линиям (где это возможно), большей сдержанности в украшениях. Как правило, произведения переходных периодов, а особенно их начала, датировать очень трудно, поскольку промежуточный стиль возникал постепенно, не сразу отвергая формальные характеристики своего предшественника. Переходный период от рококо к неоклассицизму обычно определяют 1765—1775 годами. Серебряные предметы того времени достаточно наглядно отражают колебания мастеров при выборе между прямой и кривой линиями. Одни предметы приобретали прямолинейную форму, но были украшены стилистическими элементами рококо. Другие, наоборот, оставались криволинейными, но декорировались в мотивах неоклассицизма. Для этого периода перехода к новому

стилю характерны отказ от цветов, появление гирлянд из лавровых листьев, розетт, лап льва, головы барана, фестонов, рогов оленя, прямоугольных opнаментов.

Итальянский вклад в неоклассический стиль

Возврат к классической античности возглавила Италия потому, что именно она в самом большом объеме сохранила античную архитектуру. В 1740—1750-х годах в результате археологических раскопок Геркуланума, Помпеи и других мест в Кампании были обнаружены свидетельства высокого прикладного искусства античных городов. Новости об этих открытиях разошлись по всему миру, но правители Неаполя ревностно охраняли участки раскопок. Иностранцам посещать их было запрещено. Поэтому декоративное искусство Геркуланума и Помпеи в этот период не оказало такого влияния на искусство Европы, как, например, произведения римлян, греков и египтян. Кроме того, в поисках мотивов нового стиля серебряных дел мастера стали обращаться к декоративным работам Джованни Баттиста Пиранези (1720 — 1778) — в Римской области и Джокондо Альбертолли (1742—1839) — в Эмилии и Ломбардии. Большой вклад в развитие нового стиля внес и разносторонне одаренный Луиджи Валадье (1726—1785), римлянин, француз по происхождению. Эти художники не были напрямую связаны с созданием серебряных изделий, но они, как генераторы идей, предлагали такое обилие декоративных моделей, что у серебряных дел мастеров был просто неисчерпаемый источник неоклассических мотивов.

Работы Пиранези, Альбертолли и Валадье

Гравер и архитектор Джованни Баттиста Пиранези родился в Венеции, большую часть жизни провел в Риме, где делал гравюры зданий и памятников древнего города. Его очень интересовали руины античности, в своих гравюрах он отображал их исключительно подробно. Опубликовал два тома гравюр, изображавших античные украшения, в которых реальность удивительно гармонирует с фантазией и романтикой. Первый том назывался «Diverse Maniere» («Разные способы». Более точное название — «Разные способы украшения каминов и других частей зданий»). Мотивы им взяты из египетской, этрусской, римской и греческой архитектуры. Книга была издана в 1769 году. До этого Пиранези продавал свои эскизы отдельными листами, когда набралось много, объединил их в сборники. Второй том под названием «Вазы, канделябры, колонны» вышел в 1778 году. Это собрание гравюр (110 работ) вызвало большой интересу римских серебряников конца XVIII века. В декоративных мотивах, собранных в книге, отражались все элементы неоклассического стиля: рог изобилия, доспехи, маски, вазы, розетты, обелиски, урны, лавровые венки, листья аканта, пальметты, шлемы, гирлянды из цветов и листьев, растительные волюты, виноградные лозы, сатиры, вакханки, танцовщицы, флейтисты, тритоны, купидоны, головы Медузы, орлы, львы, головы быков, олени, а также разные сфинксы — мужские и женские, с крыльями и без.

Экстравагантный вкус Пиранези особенно ярко проявился в больших парадных предметах. Его работы отличались от произведений Джокондо Альбертолли из Ломбардии, которые были сдержаннее и строже — в духе неоклассицизма.

Клейма Пьемонтских мастеров

До 1793 года клейма пьемонтских мастеров ставились согласно указу 1678 г. регента Савойи Марии Джованна Баттисты. Этот указ запрещал изготовление и продажу серебряных изделий ниже определенного стандарта чистоты, т.е. ниже 11 денье (=916,667 частей чистого серебра). Этот указ также предписывал мастерам ставить личный клейма, а пробирной палате ставить пробирную метку в виде герба Савойи с короной и инициалами пробирщика. И чтобы еще больше защитить покупателя, ставилась еще одна метка пробирщика, называемая «контрпробой» — овальная с. жемчужными краями и меткой контрпробирщика.

Альбертолли родился в Тичино, образование получил в Парме, где работал французский архитектор Эдмон-Александр Петито (1727— 1801), представитель неоклассицизма, автор книги образцов ваз. Альбертолли в 1774 году стал преподавать декоративное искусство в Брерской академии. Он автор большого количества новых декоративных мотивов, которые опубликовал в двух томах гравюр: «Различные украшения, созданные и нарисованные Джокондо Альбертолли» (1782) и «Украшение благородных домов» (1787). Во многие строгие элементы неоклассицизма он вводил украшения прежнего периода — волюты из листьев аканта, фризы с медальонами, розетты, а из животных — дельфинов и орлов.

Как и Пиранези, Петито и Альбертолли были архитекторами, а не ювелирами. Профессиональный опыт другого художника, Луиджи Валадье, — иной: он был золотых и серебряных дел мастером, создателем камей, работал также с камнем, железом и бронзой. Кроме того он искусно делал ларцы, шкатулки и мебель из красного дерева. Его мастерской в Риме покровительствовал Папа Римский Пий VI, у которого он служил «смотрителем

за реставрацией древних бронзовых предметов и камей в двух святых музеях». Клиентами Валадье становились представители самой высокой знати. Его серебряные изделия всегда были высочайшего качества, поэтому многие мастера стремились ему подражать. Однако его неоклассический стиль почти всегда носил печать ренессанса и позднего барокко. Конечно, живя в Риме среди памятников прошлых веков, трудно избавиться от такого влияния, именно поэтому извивающиеся листья аканта и рифленые выпуклые полоски на его изделиях свидетельствуют о ренессансе, а двойные завитки — о позднем барокко. Дело Валадье продолжил его сын Джузеппе (1762—1839), серебряных дел мастер Ватикана, директор ватиканской литейни, ставший в 1786 году еще и архитектором. Он прославился своими достижениями в архитектуре в неоклассическом стиле, но именно произведения в «смешанном» стиле, а также его работа в мастерской отца оказали большое влияние на серебряников Рима. Пьемонтские мастера тоже испытали большое влияние своих римских и французских коллег.

Золочение

Золочение — это нанесение на серебро тонкого слоя золота. Полностью покрытый им предмет приобретает не только дорогой вил, но и основательную прочность (чистое серебро мягче и может изменить форму). Золочение иногда называется «ртутным», потому что при этой процедуре порошкообразное золото смешивают со ртутью, затем образовавшуюся пасту кистью наносят на серебряный предмет, который обжигают; при этом ртуть испаряется, а золото остается па поверхности предмета. В зависимости от количества золота золочение может быть «сильным», то есть плотным и равномерным, и «легким», почти прозрачным. Цвет золотого покрытия меняется за счет подмешивания другого металла: медь дает красноватый блеск («красное золото»), никель — белый блестящий оттенок («белое золото»). Для достижения нужной толщины слоя золочение производится несколько раз. Испарения ртути в мастерских чрезвычайно вредны для здоровья, поэтому эта работа, хотя и высокооплачиваемая, очень опасна. В XIX веке этот процесс запретили, а позже, после открытий французского химика Жана Баттиста Дюма, изобрели метод гальванизации. Позолоченное серебро иногда еще называют вермелем.

Неоклассические подсвечники и канделябры

В неоклассический период объем производства серебряных изделий увеличился. Изменился уклад жизни: в доме появились такие места, которые необходимо было освещать, — кабинеты, библиотеки, туалеты, спальни, уголки для уединенной беседы, питья чая и кофе. Для этого потребовались дополнительные подсвечники. В тот период их было два типа: 1) с маленьким квадратным основанием и выпуклым рифлением; ножка расширена, с несколькими выступами, на самом верху — гирлянда, свисающая вниз; 2) ножка подсвечника — тонкая, в форме столбика, почти без украшений, в нижней области — потолще. Основание круглое. В какойто степени этот тип повторяет модели конца XVII века, но более тонкая ножка напоминает коринфскую колонну или ордер с рифленым пространством. В этом случае капителью колонны служит патрон для свечи — и получается как бы непрерывная линия от основания к колонне и капители.

Форма же канделябров почти всегда была такой же, как форма подсвечников первого типа, а верх был украшен неоклассическими мотивами. Конец ножки расширялся двумя или более рожками в виде изогнутых ветвей с листьями, которые поначалу были короткими, потом стали длиннее и приняли форму буквы S. Основание такого канделябра, как правило, — круглое, украшено в полном соответствии с остальной частью предмета. От двухрожковых подсвечников канделябры отличались главным образом большим размером, а также наличием урны над ножкой. В некоторых случаях ножку делали в форме рифленой колонны без капители и украшали гирляндами; к ножке крепили яйцевидную деталь, от которой расходились рожки. В канделябрах всегда более массивные и более декорированные гнезда для свечей, а тарелочка для оплывающего воска размещена не наверху, а чуть ближе к основанию. При таком расположении гнездо для свечи и тарелочка походили па цветочный бутон, но не было в этом натуралистического реализма.

Французский неоклассицизм, или стиль Людовика XVI

Переход от рококо к неоклассицизму отчасти был вызван стремлением перейти от необузданной фантазии к трезвости и упорядоченности. Однако нельзя сказать, что стиль Людовика XVI был антиподом стиля рококо. Несмотря на то, что новый стиль предполагал уменьшение декоративных элементов, отдавая предпочтение более строгим линиям классической античности, многие мастера все же использовали некоторые детали рококо для оживления этих строгих линий, придания им легкости и движения.

Классическая античность почти никогда не была непосредственным образцом для подражания, скорее опа вдохновляла на поиски гармонии и пропорций, декоративных мотивов, которые, впрочем, использовали так же свободно, как и в стиле рококо. В этот период становится все заметнее сочетание декоративных элементов античности с фантазиями автора.

Робер-Жозеф Огюст

Один из самых утонченных АЛ1 интерпретаторов неоклассического стиля Робер-Жозеф Огюст родился в 1725 году. Карьеру свою он начал как мастер по бронзовым изделиям, в которых проявились его талант и вкус. Некоторые из его работ созданы под влиянием моделей Делафосса и Приера. В 1773 году Огюст был назначен золотых дел «мастером при дворе Людовика XVI, но он выполнял заказы и коронованных особ Англии, Швеции, России, Португалии. Его дело продолжил сын Анри (1759—1816), который выполнял изделия в элегантном стиле XVIII века, но уже использовал и некоторые мотивы стиля ампир. Таким образом, его работы отразили переход от стиля Людовика XVI к ампиру. В 1806 году Анри Огюст, испытывая финансовые затруднения, был вынужден закрыть свою мастерскую.

Новый стиль, отражавший общее движение европейского общества к эпохе Просвещения, быстро стал очень модным. Чрезвычайная скорость его распространения отчасти объясняется тем, что высшее французское общество XVIII века нуждалось в переменах, поэтому оно отвергало все «старое», и с энтузиазмом приветствовало все, что считало «новым».

Создатели французских неоклассических декоративных моделей

Вклад в стилистическое обновление французского искусства внесли многие художники. В то время было опубликовано немало сборников гравюр с образцами декоративных мотивов, и хотя они не были предназначены для серебряных изделий, мастера-ювелиры черпали в них вдохновение и находили для себя ориентиры.

Темы и мотивы неоклассицизма, как в скульптурных формах, так и в орнаментах, использовали и серебряники. В их распоряжении оказались такие работы, как «Сборник гриффонов» аббата Сент-Нон, опубликованный в 1771—1774 годах, внушительная серия работ Делафосса и Нойфоржа, Форти и Саламбье. Более восьмидесяти собраний создал Ришар Лалонд, знаменитый художник второй половины XVIII века. Самый известный его сборник — «Разные работы Лалонда, декоратора и художника», с

примечанием на субтитульном листе: «Большое количество рисунков для украшения». Он был гравером и автором орнаментов.

Жан-Шарль Делафосс (1734— 1789) был архитектором и ведущим специалистом по геометрическим орнаментам и перспективе.

Большой вклад во французское искусство (еще недостаточно оцененный) внес Жан-Франсуа де Нойфорж (1714—1791) своим знаменитым «Сборником архитектуры», который появился между 1757 и 1772 годом и содержал 900 гравюр. Скульптор, гравер и архитектор, он в основном работал над архитектурными проектами помещений, однако один из разделов его сборника — «Детали» предлагал широкий выбор неоклассических стилистических элементов, почему и стал неистощимым источником для создания декоративных моделей в серебре.

Следует упомянуть и парижанина Жана-Франсуа Форти, который создавал модели главным образом из металла.

Самым известным автором французских неоклассических моделей был Анри Салламбье, (1753— 1810), ему принадлежат тридцать собраний декоративных моделей удивительной сложности и филигранности. Среди них мотивы такого изящества и легкости, что кажутся почти нитевидными. Салламбье внес утонченность в искусство позднего неоклассицизма. Он постоянно стремился к достижению в моделях ощущения легкости и движения. Здесь его фантазии не было предела.

Его творения одновременно и изящны и сложны.

Серебряных дел мастера широко пользовались упомянутыми сборниками моделей, во некоторые, самые известные из них, делали и собственные эскизы. Однако это были рабочие модели, они хранились в мастерских, многие стали ветхими из-за постоянного применения, поэтому до наших дней дошли лишь несколько из них.

Подставка для разогревания пищи

Первая такая подставка появилась около 1735 года, но большинство из них сделано в 1755—1780 годы. Созданная английскими мастерами подставка представляет собой две пары рычажков с квадратным сечением, привинченных к центральной детали, куда вставляется спиртовая горелка. Рычажки можно двигать, приспосабливая их к размеру блюда. Стоят они на подвижных ножках.

Разнообразие английских серебряных изделий

Во второй половине XVIII века появилось много новых видов серебряных изделий для стола и для удовольствий. Кроме уже известных предметов, это: маленький сосуд, похожий па кофейник, по предназначенный для горячего соуса; тарелки для завтрака с крышками и подставками для подогревания, которыми пользовались англичане во время традиционно основательных утренних трапез; масленки с крышками, украшенными фигуркой коровы; полукруглые ложечки для зачерпывания чая из чайницы; подносы для бутылок; различные сливочники; блюда с крышками, чтобы не остывала еда; посуда для меда в форме улья; горчичницы и чаши; ведерки для охлаждения вина.

Такое большое количество серебра отчасти объясняется тем, что с началом технической революции мелких ремесленников стали вытеснять первые фабрики, работавшие на промышленном уровне. Самые сложные и изысканные вещи продолжали делать вручную, а более простые серийные предметы изготовляли на фабриках, где «машины могли выполнять литейные, рельефные и ажурные операции.

В 1769 году был изобретен пресс, который вырезал и пробивал части предмета из плоского листа серебра, а затем эти части собирали вручную. Развитию массового производства способствовало и изобретение Мэтью Боултоном паровой машины. На его фабрике в Бирмингеме с ее помощью изготовляли серебряные пластины, которые потом продавали ремесленникам, а те монтировали их и украшали по своему вкусу.

Развитию массового производства помогало и то, что новый неоклассический стиль отличался относительной простотой и геометричностью формы. В конце XVIII века начали делать дешевые серебряные изделия в Шеффилде и Бирмингеме, и многие серебряных дел мастера помимо своих произведений стали продавать изделия промышленного производства. В связи с возникновением новых важных центров производства серебряных изделий и их продажи потребовались новые правила и новые пробирные клейма.

На расширение серебряного производства повлиял еще один фактор: лондонские мастера всегда поставляли свои товары в американские колонии. Эта торговля была прервана революцией в Америке, по после признания ее независимости, торговля возобновилась, поэтому снова возрос спрос па изделия из серебра. Английские серебряные пластины и изделия из них экспортировались и в страны Европы, например, в Португалию, Испанию, Данию и Швецию. Местные серебряники часто использовали их в качестве образца. В несколько меньшем масштабе это влияние английского серебра стало ощущаться даже в работах чрезвычайно искусных мастеров Парижа. В 1786 году был подписан коммерческий договор о ввозе английских серебряных изделий и во Францию.

Декоративные бордюры

Для неоклассическою периода характерны новые декоративные мотивы в бордюрах. Они основывались на классической античности, по подверглись свободной интерпретации, что привело к строгим, но элегантным непрерывным орнаментам, включающим ряды лавровых листьев и ягод, перевитых лентами, пересекающиеся линии со свисающими фестонами, стилизованные розетты в рамках и «вазы Витрувия».

Неоклассический декоративный репертуар

Большинство декоративных мотивов, появившихся на серебряных изделиях последней трети XVIII столетия, основаны на античных моделях. Однако они были не слепым подражанием, а скорее исходным пунктом для создания нового декоративного стиля, который сочетал элегантность с простотой и строгостью.

Так же, как и в предыдущий период, часто использовались растительные элементы, хотя и радикально измененные. Розетты, ветви дуба, листья аканта, пальметты и розовые ветки отличаются строгой симметрией и точностью рисунка.

Роберт Адам

Роберт Адам (1728—1792) известен как отец английского неоклассицизма в период правления Георга III, у которого он был придворным архитектором в 1762—1768 годах (после него этот пост занимал его брат Джеймс). Он учился в Риме, был страстным поклонником античного искусства, там и подружился со знаменитым итальянским мастером Пиранези. Он много путешествовал по Далмации и Греции, изучал результаты археологических раскопок в Геркулануме и Помпее. Увлечение классической древностью отразилось в его работе «Руины дворца императора Диоклетиана в Спалатро в Далмации» (1764).

В то же самое время два других английских архитектора — Джеймс Стюарт и Николас Ревет четыре года провели в Афинах, после чего опубликовали работу «Произведения античности». Они были фанатичными поклонниками Древней Греции, поэтому их публикация стала вкладом в дебаты, которые шли в то время: какое искусство более совершенно с художественной точки зрения — греческое или римское. В этом споре Роберт Адам занимал независимую позицию, поскольку в своем творчестве он использовал как греческие, так и римские декоративные элементы. Его стиль был оригинален, полностью самобытен. Благодаря такой самобытности, а также тому, что он был не только архитектором, но декоратором и дизайнером мебели, он оказал большое влияние и на английскую архитектуру последних сорока лет XVIII века, и на прикладные искусства того времени. Как декоратор он в своих работах учитывал достижения французских коллег, а также мастеров ренессанса. Английские серебряных дел мастера брали у него мотивы, на которые его воодушевило римское и этрусское искусство. Эти мотивы включали: головы коз, грифонов, сфинксов, фестоны из цветов, ленты, завязанные бантами, удлиненные амфоры, камеи, грифонов с гирляндами и пальметтами, парные спирали со спущенной драпировкой. Но самые любимые из его мотивов — так называемый «раскрытый зонтик» и гирлянды из колокольчиков и жимолости. Благодаря обширной деятельности Адама в качестве архитектора и его сотрудничеству с братом Джеймсом, его работы стали известны не только на родине, но и в других странах Европы, в России и Северной Америке.

Фестоны

В неоклассический период фестоны стали одним из самых популярных мотивов Англии, чему способствовали главным образом работы РОберта Адама, который создал много разных моделей орнаментов, в том числе фестонов.

Суповые миски в центре стола

Из-за своих больших размеров и изысканных украшений супницы стали занимать центральное место на обеденном столе. Большие размеры этих предметов позволяли использовать для их украшения самые разные декоративные мотивы неоклассического стиля. Супницу подавали на подносе с короткими ножками. На большом круглом сосуде хорошо смотрелись гирлянды и фестоны. Большое внимание мастера уделяли форме и украшению ручек, а одной из самых нарядных деталей была шишечка на крышке. Ручки чаще всего были в виде головы льва или барана с кольцами во рту, реже — в виде свернувшихся змей. Но именно крышка была шедевром декоративного искусства. Здесь мастера старались превзойти друг друга. Наверху не всегда была изысканная скульптурная фигура: на супницах поскромнее — обычно шишка сосны или ели, на более дорогих супницах могли быть человеческие фигуры в реалистическом изображении покоя или охотничьи сцены (например — охотник, побеждающий зверя, или собаки, преследующие дичь). Эти мотивы были популярны и в XIX веке. Ножки супницы делали функционально удобными — их форма в виде загнутой волюты позволяла увеличивать площадь опоры супницы. Реже встречаются супницы с ножками в форме рифленых пилястров, доходящих до середины предмета. Они — своего рода прелюдия к моделям стиля ампир.

Столовые приборы неоклассического периода

В XVIII веке продолжала развиваться «культура стола», то есть культура сервировки стола и поведения за столом. В последние тридцать лет этого столетия такая тенденция наблюдалась не только в аристократических кругах, но и в семьях среднего зажиточного класса. Столовыми приборами стали пользоваться повсеместно, даже на столах простолюдинов появилась вилка. Продолжали появляться все новые и новые специальные предметы: кофейные ложечки, ложечки для мороженого в виде лопаточек, ложки для сахарного песка с дырочками, ложечки для соли, поварешки, штопоры и другие столовые принадлежности. Изделия из серебра потеснили предметы, сделанные из других материалов — стекла, фарфора, перламутра. Новый стиль требовал таких декоративных мотивов, которые бы лучше всего смотрелись на серебре. Самые большие перемены коснулись ручки ножика. Типичная ее пистолетная форма и кривое лезвие с округленным концом, такие популярные раньше, совсем вышли из моды. Теперь у ручки была овальная часть с параллельными сторонами или слегка суженными к лезвию. Лезвие стали делать очень тонким, более заостренным и узким. Его тупая сторона была на одной оси с ручкой. Лезвие закаляли, заостряли и шлифовали. Остроту лезвия поддерживали, затачивая его бруском из ивы шириной 4 см и длиной 40 см, на который сыпали речной песок.

Неоклассические декоративные мотивы

В противоположность чрезмерной вычурности стиля рококо, украшение серебра в эпоху неоклассицизма стало более строгим и каллиграфичным, вновь обращенным к симметрии. Среди самых популярных тем были купидоны, урны, гирлянды, короны, ряды жемчужин, геометрические пересекающиеся линии, драпировки с кистями и складками, лавровые венки и трофеи. Эти мотивы отличаются легкостью и четкостью линий. Сборники образцов, опубликованные в тот период, вдохновляли мастеров на создание оригинальных работ.

Другие столовые приборы не очень изменились. Исчезла вилка с тремя зубцами, опа стала четырехзубцовой. Почти на всех экземплярах того времени место присоединения ручки имеет вид «капли слезы», а не «крысиного хвоста», как раньше. Форма ручек у вилок оставалась такой, как и раньше, в частности, в виде скрипки. Все приборы — вилка, нож и ложка — украшали стилистически одинаково, создавая комплект. Типичные мотивы — гирлянды, ленты, ряды жемчужин. Англичане любили модели Роберта Адама, отличавшиеся линейной простотой. Украшение чаще всего было в виде параллельных линий, чередующихся с гладкими частями.

(Продолжение следует.)

Журнал «Антиквариат, предметы искусства и коллекционирования», № 32 (ноябрь 2005), стр.90