Трудно представить, чтобы никогда не занимавшийся ваянием человек вдруг начал создавать скульптуру из глины, дерева или камня. Или человек никогда не бравший в руки кисть, без специальной подготовки начал писать картины масляными красками на холсте. А вот графикой, сами того не подозревая, занимаются все люди, дети и взрослые, обученные и необученные. Ведь для этого нужно взять только карандаш и лист бумаги, на котором создается рисунок.
Графика — (в переводе с греческого — «пишу, черчу, рисую») вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные художественные произведения (многообразные виды гравюры). Термин «графика» первоначально употреблялся лишь применительно к письму и каллиграфии. Но в конце XIX — начале XX века графика определилась как искусство, в основе которого — линия, штрих, пятно,
контраст черного и белого. При этом графика не исключает и применения цвета. Наиболее общий отличительный признак графики — особое отношение изображаемого предмета к пространству, важную роль в его воссоздании играет материал, на который нанесено изображение.
В нашем путешествии в этот мир разговор, в основном, пойдет о станковой графике. В старину станком называли мольберт — специальное устройство, на котором художник устанавливал холст для написания картины. Художнику-графику мольберт не нужен, а название осталось, сохранилось, чтобы обозначить графику «саму по себе»: не плакат, не книжную иллюстрацию, не открытку, а просто — станковую графику. Такие листы бывают представлены на выставке, могут сохраниться в папке коллекционера, могут украсить интерьер любителя искусства.
По способу исполнения и возможностям воспроизведения графика подразделяется на уникальную и печатную (эстамп). К уникальной графике относятся
рисунок, акварель, гуашь, монотипия и многие другие способы создания произведения, в своем роде единственного, неповторимого образца. Печатная графика дает возможность получить определенный тираж равноценных художественных произведений — оттисков с доски, металлической пластины, камня, листа линолеума или других материалов, на которые нанесен рисунок (зеркальный по отношению к оттиску). Потом рисунок гравируется, основа разными сложными способами обрабатывается и получается оттиск — эстамп.
Что же (кроме таланта) необходимо, чтобы создать произведение графики, уникальной или печатной? Если для создания керамики нужна глина, для картины — холст, для скульптуры — твердый материал (дерево, камень, кость), то для графики необходима прежде всего бумага. Способ нанесения изображений может быть разным, но на бумаге оставят свои следы карандаш, уголь, тушь, акварель, гуашь, пастель.
История бумаги уходит корнями в глубину веков. Легенда гласит, что она появилась в Китае 2 200 лет тому назад. Делали ее из деревянного луба, она была рыхлой и ломкой. В Европе первая бумага была создана в XI—XII веках, и изготовляли ее из льняных тряпок, но вот для рисования ее стали использовать только с XIV века. Тогда она была толстая, шершавая, с желтоватым или коричневым оттенком. Потом ее научились подкрашивать светло-голубой краской — на ней хорошо было изображать световые эффекты, например, лунный свет. Но только появление белой бумаги позволило работать на ней карандашом, тушью, чернилами, сепией — такой вид изобразительного искусства и стал называться графикой. А с конца XIX века к области графики стали относить работы, выполненные акварелью и гуашью. Листы, на которых работает художник-график, обычно невелики.
Трудно в это поверить, но иногда бумага болеет. Если лист графики недостаточно бережно хранится или произведению уже много столетий, то на бумаге появляются темные пятна, как это бывает с лицом или руками очень старого человека. Пример тому — известный всем «Автопортрет» Леонардо да Винчи (1452—1519), написанный в 1512 году. (Королевская библиотека города Турина, Италия. Б., сангина.)
Помимо белой бумаги в графике используется и цветная. Она часто не только служит фоном произведения, но имеет и самостоятельное значение. Иногда ее цвет подчеркивает внутренний смысл всей работы.
«Рисунок — это высшая честность искусства», — говорил великий французский художник, блистательный график Доминик Энгр. Рисунок — это какое-то изображение, выполненное от руки с помощью известных графических средств — контурной линии, штриха, пятна. Различными сочетаниями этих средств (комбинацией штрихов,
сочетанием пятна и линии и т.д.) в рисунке достигается пластическая моделировка, тональные и светотеневые эффекты. Рисунок — первооснова графической речи. Как правило, он выполняется одним цветом либо с более или менее органичным использованием разных цветов. Сфера применения рисунка чрезвычайно обширна (он может быть научно-вспомогательным, прикладного, технического характера); художественный рисунок составляет одну из важнейших и широко развитых областей изобразительных искусств и лежит в основе всех видов художественного изображения на плоскости (живопись, графика, рельеф).
Аиния — это след движущейся точки, одно из самых выразительных средств пластических искусств. В рисунке она играет организующую роль, являясь границей формы, ее выразительным контуром.
Легкая, музыкальная линия — вот что главное в изумительном рисунке Валентина Серова «Портрет Тамары Платоновны Карсавиной». Выразительная и красивая, она создает ясный, обобщенный рисунок. Он исключительно виртуозен, отточен, лаконичен. Фигура знаменитой русской балерины начала XX века дана со спины, а лицо воспроизведено в профиль. Волосы нарисованы сочными, быстрыми штрихами: это естественное движение руки с карандашом, точно передающим густоту красиво поднятых волос. Аицо и шея созданы легкой растушевкой, а все остальное — спина, руки, хитон — очерчены плавной, мягкой, гибкой, уверенной линией.
Штрих — черта, линия, сделанная движением руки, —
одно из важнейших изобразительных средств в большинстве видов графики. Для работы в штриховой манере карандаш, уголь, сангину следует заточить «лопаточкой» или рисовать не острием, а боковой поверхностью грифеля.
Подчас художники для большей выразительности добавляют к углю другой материал. Так, М.А. Врубель в своем автопортрете использовал уголь и сангину. В его рисунке линия образует богатую, сложную ткань, то прозрачную, как паутина, то густую и запутанную, как кружево. Эти короткие линии-штрихи строят форму во всей ее изменчивости, зыбкости, во всем богатстве ее трепетных изменений. У Врубеля штрих превращается в систему касательных линий, которые «выгранивают» форму из пространства.
Илья Ефимович Репин был первым среди русских художников, кто создал портрет в новой для того времени технике — углем по холсту. Возможно, «Портрет Элеоноры Дузе» сначала был подготовительным рисунком для живописного портрета. Но художник остановился на этом материале и создал углем настоящее «живописное» произведение. Тональные переходы от черного к белому, сочная бархатистость пятен, холст, оставленный чистым, отчего смотрится особенно белым — такими графическими приемами пользовался художник, создавая это произведение.
Как удобно использовать для творчества природные пигменты! Кто бы подумал, что подходящие для рисования коричневые или красно-оранжевые мелки, именуемые сангиной, добывают из вулканических пород? Натуральная сангина — это глинистое вещество, окрашенное безводной окисью железа. Если железных окислов много, у нее сочный красно-коричневый цвет. Но она может быть и красно-оранжевой. Впервые ее нашли в Италии, потом — во Франции, есть она и в богатых недрах нашей страны. Первоначально ее использовали для подготовительных рисунков к фрескам, а с конца XIV века — только в графической технике. В Италии лучшие образцы рисунка сангиной создали тосканские художники.
Рисунок Рубенса интересен во многих отношениях. Беглость наброска сочетается с мастерством проработки формы. Условный цвет сангины моделирует объем красивого животного, а оставленные белые блики передают блеск и упругость поверхности торса коня.
Самый привычный материал, которым все пользуются с детства, — это карандаш. Слово «кара» с тюркского языка переводится как «черный», а «таш» или «даш» — как «камень». Это инструмент в виде палочки для рисования или письма, оправленный в твердую оболочку. Стержень карандаша — грифель — обычно оправляют в дерево, иногда помещают в пластмассовые или металлические футляры. По материалу, из которого сделан грифель, различаются графитный, свинцовый, серебряный, итальянский, цветные карандаши. Некоторые виды карандашей формуются без оболочки в виде округлых палочек (сангина, пастель, уголь).
С давних времен был известен свинцовый карандаш, используют его и художники XX века. Это штифт для рисования, вставленный в металлический футляр. При нажиме он оставляет неяркий, но четкий след. Для рисунка, выполненного свинцовым карандашом, характерна тонкая штриховая манера.
В эпоху Возрождения, с XIV века, стал известен итальянский карандаш. Вначале использовался минерал глинистый сланец черного цвета с сероватым оттенком. Его еще называли «черным мелом». Позднее итальянский карандаш стали изготовлять из порошка жженой кости, скрепленного растительным клеем. От средневековых рисунков, выполненных серебряными и свинцовыми штифтами (в которых господствовали тонкие линии и мелкие штрихи), рисунки итальянским карандашом отличались насыщенной линией, которая способствовала усилению светотени, объемной проработке изображения и его связи с пространством.
Итальянский карандаш очень хорош для
портрета. Он мягок, им легко выполнить штриховку, у него красивый глубокий цвет.
Именно итальянский карандаш выразительно передает и жесткость эполет, и мягкость редеющих волос Е.И.Чаплицы на портрете работы Ореста Кипренского. Энергично положены длинные штрихи мундира генерала, а маленькими штрихами деликатно моделируется лицо с задумчиво опущенными глазами. Только графика способна подобными скупыми средствами передать сложное душевное состояние.
В Москве, на Мясницкой улице, стоит дом, построенный в конце XVIII века знаменитым архитектором Василием Баженовым. В XIX веке в нем размещалось Московское училище живописи, ваяния и зодчества, а с 1921 по 1926 год было другое учебное заведение — ВХУТЕМАС — Высшие художественные мастерские. На крыше этого дома тогда был деревянный настил, с которого хорошо была видна Москва. Там художник Петр Митрич создал двойной портрет — своей жены и города.
Решительность и энергичность тонких линий и выразительных штрихов попеременно становятся абрисом домов, деревьев, фигуры женщины. Потом карандаш, потеряв силу, мягко положенными штрихами оттенит крыши, саму улицу, стену дома, у которой стоит модель. Далее штрих снова окрепнет и с сильным нажимом пройдется по одежде Веры Хлебниковой для того, чтобы превратиться в пятно ее густых темных волос. Эти рисунки наполнены глубоко прочувствованной гармонией природы и человека в ней.
Свинцовый, серебряный, итальянский... Всеми
этими карандашами обычно пользовались профессиональные художники. А у любого «простого» человека есть другой карандаш — простой. Обычно внутри карандаша находится графит — один из видов кристаллического углерода, смешанного с различными веществами. Это натуральное вещество черного цвета. Когда-то, в конце XVI века, его использовали как подсобный материал. Тогда еще не было копировальной бумаги, и чтобы перевести рисунок с одного листа на другой, использовали графит. Он наносился на оборотную сторону рисунка, и когда его передавливали, изображение оказывалось на новом листе.
Через два столетия, в 1790 году, во Франции Никола Жак Конте, смешивая графит с глиной, получил вещество, пригодное для создания карандашей различной твердости. Он же предложил обрамлять графитные стержни деревянными дощечками: так уменьшалась их ломкость, и они были удобными в работе.
Известный современный искусствовед Г.Г.Поспелов писал о графической манере Бориса Григорьева: «... у Григорьева сложился настоящий культ линии, контрастирующей с бархатисто-широким штрихом плоско повернутого и растертого почти до тона грифеля. Каждый из таких рисунков заключал в себе своеобразный графический парадокс, соединяющий обескураживающую небрежность и поразительную точность этой линии, всегда как бы «промахивающей» мимо очертаний фигур и предметов и вместе с тем гибко охватывающей их на поверхности листа.»
В нашем разговоре о графических техниках пока еще было мало цвета, ведь работа карандашом, тушью или сангиной предполагает прежде всего тональное решение. Но цвет во всем его многообразии стремится встретиться с листом бумаги. И в этом ему помогает пастель. Цветной карандаш, изготовленный на основе красочного порошка с добавлением клея, гуммиарабика, иногда меда и молока, называется пастелью. Обычно он имеет форму небольшой цилиндрической палочки. Леонардо да Винчи называл пастель техникой живописи по-сухому. Во Франции она была открыта в конце XV века. Художественный эффект пастели основан на особой силе, чистоте и мягкости красок, сохраняющих, как правило, первоначальную свежесть.
Пастель может быть быстрой, штриховой, рисующей, но чаще используются ее иные свойства: медлительность, возможность работать крупными штриховыми массами.
Илья Репин блестяще владел всеми графическими техниками, об этом хорошо написал его ученик, впоследствии известный художник Исаак Бродский: «Палитра этого живописца была такой многообразной, свежей и жизненной, а карандаш его — таким послушным и таким богатым своими техническими возможностями, что, казалось, художник мог без усилия преодолевать любые трудности. Но эта видимая техническая легкость была результатом той огромной, каждодневной работы над собой, постоянной тренировки глаза и руки, результатом той большой и серьезно школы, которую прошел Репин».
В большой пастели Виктора Борисова-Мусатова «Куст орешника» много пространства и воздуха. Художник достигает здесь удивительной ритмичности в чередовании легких светлых тонов.
После знакомства с сухими красящими веществами, следует поговорить о жидких красящих веществах. Это тушь, бистр, сепия, соус.
За много веков до нашей эры в Китае из сажи, желатина и камфоры научились создавать жидкое красящее вещество, так называемую китайскую тушь. В средние века ее использовали для рисования пером и для растушки. Много позднее, нежели в Китае, в Европе стали создавать тушь из чернильного орешка. Однако у такой туши есть существенный недостаток — со временем она желтеет и ухудшает качество бумаги. Тушь бывает и цветной. Темно-коричневая тушь называется бистр.
В серии иллюстраций Федора Толстого к поэме Богдановича главной является линия — упругая, точная и разнообразная. Мастер, несомненно, был увлечен греческой вазописью, красотой античной орнаментики — это и послужило образным толчком для создания декоративно-выразительных контурных изображений.
Быстрые, веселые, иногда ироничные рисунки Владимира Милашевского запечатлели целую эпоху, которой уже нет. Способ его работы высоко оценил друг художника (и сам замечательный график) Николай Кузьмин: «Разумеется, не в спичке дело, дело в методе /.../ При рисовании углем, например, если ошибся — сотри, поправь: уголь легко смахнуть тряпкой. То же самое и карандаш — всегда остается надежда на резинку. Иное дело — тушь и спичка. Этот способ требует сосредоточенности, внимания, высокого градуса напряжения: рисуешь сразу, без колебаний, без поправок. Как ребенок или как Рембрандт. Да здравствует спичка!»
В XIX веке появились металлические перья, дающие тонкую ровную линию. Тушью можно работать не только разнообразными перьями, но и кистью. При этом она может быть не только черной, но и коричневой. Давным давно люди научились использовать жидкость, которой «прыскает» каракатица во время опасности. Эта жидкость, разведенная водой, давала оттенки от темно-коричневого до светло-палевого. Она-то и стала называться «сепией». А в XIX веке сепию начали добывать химическим путем.
Тонко перемолотые продукты сгорания, в которые добавляется слабый раствор растительного клея, после чего они прессуются, и поступают в продажу в виде палочек, обернутых в оловянную бумагу, называются соусом. Как материал, пригодный для рисования, он стал известен в конце XVIII — начале XIX века. Необычайно глубокий по тону, с приятной бархатистой поверхностью, соус отличается от многих других материалов, применяемых в рисунке, широким тональным диапазоном.
Этот материал можно использовать как в сухом виде, так и в мокром. Если выбирается сухой способ, палочку соуса растирают о шероховатую бумагу. Собрав получившуюся пыльцу на растушку (плотно свернутый кусочек замши), наносят ее на рисунок, предварительно сделанный карандашом. Но чаще всего соус применяется в мокром виде, то есть его разводят водой. Почти всегда работа мокрым соусом сочетается с использованием других материалов.
История рассказывает, что когда в 1757 году генеральным контролером финансов во Франции был назначен Этьен де Силуэтт (1709—1767), при королевском дворе началась жесточайшая экономия. Будучи крайне экономным и в частной жизни, он предпочитал стены в своем замке украшать ... тенями. Тень от фигуры гостя обводили, а потом закрашивали черной краской. Так возник силуэт.
Изображенную Елизаветой Кругликовой сценку в кафе сопровождал рассказ Алексея Толстого. Ироничности текста соответствует выразительная графика художницы. Тут и сам Толстой у стойки с рюмкой в руке. Позади дамы в белом — поэт и художник Максимилиан Волошин, а рядом с особой в
полосатой юбке — сама Кругликова в мужском костюме.
Мы уже говорили о «цветности» пастели. Теперь нам на помощь должна прийти вода. Именно она разбудит спящий цвет и получится акварель. Речь идет о красках, разводимыми водой. Тонко растертый красящий порошок, его называют пигментом, соединяется в этих красках с клеящим веществом. К этому веществу добавляется иногда мед или сахар, или глицерин. Известно, что эти краски бывают твердыми, тогда они сформированы в плитки, полумягкими — они хранятся в керамических чашечках, или мягкими — в тюбиках.
Мысль о том, что если в акварели присутствует цвет, то это — живопись, а не графика, не верна. Графическое начало в этой технике будет тогда, когда цвет ляжет на бумагу легко и прозрачно.
Как и многие художники той эпохи, Виктор Борисов-Мусатов мечтал о декоративных панно. Мастера того времени тяготели к «большому стилю» — «модерну», в котором все подчинялось новой художественной концепции: соотношению искусства и жизни.
Сами панно не были осуществлены, и сегодня нас
пленяют лишь прекрасные акварельные эскизы к ним. Здесь проявилось столь важное для художника желание «озвучить» живопись, сблизить ее с музыкой. Художник серьезно задумывается о соотношении линии и цветового пятна, о линейных ритмах, ведущих мелодию произведения. Грустью веет от холодных красок и печального ритма линий во «Сне божества». Нежная прозрачная акварель с паузами белой бумаги — именно тот материал, который необходим для раскрытия такой темы.
Черную акварель иначе называли ламповой копотью. У нее богатая
гамма тональных градаций, поэтому на поверхности листа создается прозрачная, вибрирующая атмосфера. Вглядываясь в этот лист, замечаешь, что ритмика рисунка, гармония плавно льющихся линий, переходящих в бархатистые пятна тени, соотносится с размеренной музыкой стихотворной речи.
Акварелью можно пользоваться экономно, стряхивая воду с кисточки, и тогда это будет живопись «по-сухому». А можно лист сильно увлажнить и по невысохшей бумаге работать красками.
«Гуашь» в переводе с итальянского и французского — «водяная краска». Она возникла как разновидность акварели, когда для достижения плотности красочного слоя к водяным краскам начали примешивать белила. Гуашь состоит из тонко растертого пигмента с водноклеевым связующим, например, пшеничным крахмалом, и примеси белил. Ее широко использовали уже в средние века во многих странах Европы и Азии при выполнении книжных миниатюр, а начиная с эпохи Возрождения — для эскизов, картонов, подцвечивания рисунков, позже — для портретных миниатюр. В России техника гуаши достигла высокой степени развития в конце XIX — начале XX века, хотя она встречается и в произведениях XVIII века.
Монотипия — это работа художника, существующая только в одном экземпляре. Но ее получают путем отпечатка, то есть монотипия открывает разговор о печатной графике. Как ее создают? Краска наносится от руки на абсолютно гладкую поверхность металлической доски. Единственный уникальный отпечаток получается под давлением на станке. Монотипия отличается тонкостью цветовых соотношений и напоминает акварель. Применяется она также в соединении с офортом.
Елизавете Кругликовой, мастеру творческого эксперимента, было интересно поэкспериментировать с матовой поверхностью масляных красок, с цветом и фактурой бумаги. Беспокойство автора в связи с началом Первой мировой войны неосознанно отразилось в нервном и тревожном ритме танца. Вертикали фигур танцующих в сочетании с «бегущими» гирляндами лампочек придают нервозность всей сцене, а голубой и перламутровый цвета создают ощущение ирреальности.
Валентина БЯЛИК
Иллюстрации предоставлены автором.
Журнал «Антиквариат, предметы искусства и коллекционирования», № 19 (июль-август 2004), стр.76